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Vous en aurez sans doute entendu parler, le Bon Marché se met à l'heure du Bonheur des Dames.

A l'occasion des 170 ans de la création de ce mythique Grand magasin immortalisé par Emile Zola dans son célèbre roman Au Bonheur des Dames, le Bon Marché se transforme le temps de quelques soirées en théâtre immersif.

"Immersif" est un mot qui revient de plus en plus fréquemment au sujet des expositions notamment, je n'ai pour ma part jamais testé encore, faute de temps pour tout faire mais aussi parce que je préfère voir un tableau de Cézanne que la projection grand format de son œuvre. Mais j'irai, parce que malgré tout je suis curieuse !

Dans le cas présent, "immersif" signifie que nous sommes à un étage du grand magasin et que nous déambulons de scène en scène pour suivre les acteurs, chacun ayant un petit espace aménagé, un boudoir, un bureau, un espace de vente, etc. Les acteurs se déplacent d'un point à un autre en fonction de leurs interactions, libre à nous de suivre l'un plutôt que l'autre.

Pour l'intrigue, honnêtement, c'est parfois un peu compliqué d'être au bon endroit au bon moment ! Mais qu'importe, c'est très bien fait, merveilleusement original et nous avons passé un agréable moment. Il faut tout de même savoir qu'il est presque impossible de s'asseoir et que pendant presque trois heures nous avons déambulés. Il faut donc être bien sur ses jambes !

Inutile également d'espérer revivre le roman de Zola, il est en personne dans le spectacle en train de l'écrire ! Dommage, je n'avais pas pris l'exemplaire illustré par maman que je vous avais montré il y a quelques temps, ici, je lui aurais demandé une dédicace ! Nous retrouvons les personnages par leur nom et leur rôle mais l'histoire qui dans ce spectacle tourne à l'intrigue policière est une libre réinterprétation  du roman. Cela n'en est pas moins agréable !

Une découverte donc et c'est toujours un plaisir ! On trouve assez peu d'image en ligne, et les photos sont interdites, vous pouvez donc visualiser la présentation du Bon Marché que je vous ai mise ci-dessous mais surtout cette vidéo de Brut avec Augustin Trapenard.

Le Petit Palais accueille actuellement deux ensembles d'œuvres de l'artiste suisse de 57 ans, Ugo Rondinone. L'installation montre le corps humain au prise avec la nature, la terre, le ciel, l'air, l'eau et le feu sont convoqués dans leurs rapports aux êtres en mouvement ou non.

La première oeuvre qui nous accueille dans la voute d'entrée du musée est nommée Humansky. Ces corps suspendus dans leur camouflage bleu de ciel sont d'une grande poésie, je vous laisse admirer, il me semble que cela se passe de commentaires.

Les Nudes qui se trouvent dans l'autre partie du musée ont une dimension qui m'a semblé plus douloureuse. Ils représentent des danseurs et danseuses au repos, réalisés à taille humaine et qui au premier regard paraissent très réalistes mais au final, ils s'avèrent un peu désarticulés. 

Un élément intéressant, les sculptures sont de cire transparente mélangée avec de la terre prélevée sur sept continents.

Ces personnages sont accompagnés d'une création audiovisuelle que je n'ai pas eu le temps d'aller voir lorsque je suis passée mais j'ai l'intention d'y retourner. Le film Burn to shine, en première mondiale, est projeté dans un cylindre en bois calciné, on entend de l'extérieur les percussions. Le film montre les corps en mouvement dans une forme de transe ancestrale, un ensemble de danseurs et percussionnistes réunis dans le désert s'unissent à la nature du coucher du soleil jusqu'à l'aube.

Au premier regard, les installations sont un peu déroutantes puis finalement, il y a une grande poésie dans ces corps offerts au ciel pour les premiers, à la méditation pour les seconds. C'est intéressant et merveilleusement mis en scène. 

Les musées ont tous tendance aujourd'hui à confronter leurs collections à des artistes contemporains, je vous montrerai la semaine prochaine Kehinde Wiley au musée d'Orsay.

Ugo Rondinone au Petit Palais jusqu'au 8 janvier 2023

Retour dans le cœur de Paris pour admirer une curiosité tout à fait intéressante, un grand écart avec notre précédent sujet dans le quartier moderne de la BnF site François Mitterrand ! 

Pour ceux qui connaissent mal la capitale, nous sommes aujourd'hui dans le 8e arrondissement, non loin de l'Arc de Triomphe et du Parc Monceau, donc plutôt Nord Ouest, à l'opposé de la Bnf qui est plutôt au Sud Est ! 

Un petit bain de foule dans le métro et nous y voilà !

Un quartier très intéressant du point de vue de l'architecture. La cathédrale orthodoxe Saint Alexandre Nevsky n'est pas très loin et les hôtels particuliers rivalisent d'élégance, nous sommes dans les beaux quartiers.

La Pagode, initialement hôtel particulier classique, est transformée dans les années 20, ces années dites "Folles" par un marchand et collectionneur d'art asiatique Ching-Tsai Loo. Monsieur Loo en fait un musée d'art asiatique qui perdurera après sa mort en 1957.

Aujourd'hui, communément appelée Pagoda, c'est un espace privé d'exposition et de vente. En général fermée au public, j'ai eu la chance de pouvoir y entrer lors d'une exposition l'été dernier. 

Vous remarquerez que l'intérieur n'a rien à envier à l'extérieur, tout est très beau !

Et pour la petite histoire, parce qu'il en faut bien une, si vous avez écouté le court reportage de France Bleu Paris, vous aurez entendu que la Pagode était ouverte au public à l'occasion de ses 100 ans pendant la durée du Salon des Arts Asiatiques.

Il se trouve que cette information a été relayée par tous les sites culturels parisiens et que l'évènement étant si rare de très nombreux parisiens se sont rendus dès l'ouverture. Sauf que l'information était une erreur de communication et que l'accès ne se faisait que sur invitation. J'ai eu beaucoup de chance de pouvoir y entrer. Je crois que devant l'affluence et la déception des visiteurs, les responsables ont finalement laissé entrer quelques heureux privilégiés. Il faut dire, vous pouvez le voir sur les photos, que les lieux ne se prêtent pas à la foule, et qu'il y avait là de véritables collectionneurs.

Après avoir abordé le sujet de l'Art Nouveau samedi, il aurait été logique que je vous parle aujourd'hui de la magnifique exposition Art Déco Paris New York qui se tient actuellement à la Cité de l'Architecture. Mais voilà, je n'ai pas envie de logique ! Alors nous y reviendrons, soyez en assurés, mais plus tard, je n'ai pas encore parcouru tous les méandres de cette exposition !

C'est dans un quartier de Paris entièrement neuf que je vous entraîne aujourd'hui, et il sera encore question d'architecture, puisque nous nous dirigeons vers la Bibliothèque nationale, sur le site François Mitterrand qui se trouve dans le XIIIe arrondissement. C'est un endroit que j'aime beaucoup, forcément, une bibliothèque, c'est un temple du livre, me direz-vous ! C'est vrai, même si ce sont des lieux que je fréquente très peu en tant que lectrice.

Il n'est pas question de vous faire une présentation détaillée des lieux, mais quelques mots tout de même. La BnF François Mitterrand a été inaugurée en 1995, elle a été conçue par l'architecte Dominique Perrault, retenu à l'issu d'un concours international en 1989. On lui doit également, sans être exhaustive : le nouvel Hippodrome de Longchamp à Paris, la restructuration du Pavillon Dufour du Château de Versailles, le Grand Théâtre d'Albi ou encore le Palais des Sports de Rouen, mais aussi l'université des femmes de Séoul et quelques ouvrages en Espagne, pour ne citer que ceux-là et dans le désordre. Dominique Perrault est également acteur du projet de village Olympique et Paralympique pour les Jeux Olympiques Paris 2024.

Ce n'est peut-être pas toujours évident pour tous mais la bibliothèque a été pensée comme quatre livres ouverts posés autour d'un socle, sept étages de bureaux et onze étages de magasins, au centre desquels se trouve un jardin forêt d'un hectare, initialement composé de 126 pins sylvestres de la forêt de Bord en Normandie.

Je m'en tiendrai là pour mon descriptif très général, toutes les informations sont faciles à trouver sur le net, je ne vais donc pas vus assommer.

Je lisais dernièrement que le jardin, géré écologiquement et fermé au public offrait un espace privilégié à la faune et la flore.

Je rebondis sur ce dernier point, je suis toujours sensible à la présence animale dans Paris, ne vous fiez pas à ce que vous pouvez lire, il n'y a pas que des rats, même s'il y en a, comme dans toutes les villes où des détritus sont jetés, parfois sans grand respect des lieux. 

Vous me croirez ou non, la diversité, en particulier en matière d'oiseaux, est plus grande dans les jardins parisiens que dans mon havre picard !

La semaine dernière, j'ai croisé avec bonheur de petites chauves-souris (Pipistrelle commune), l'une près de la gare Montparnasse, l'autre dans le quartier de la Défense.

Vous savez également que les toits de certains monuments parisiens abritent des ruches. Mais je m'éloigne de mon sujet !

La passerelle qui nous permet de rejoindre la Rive Droite de la Seine offre une belle promenade vers le Parc de Bercy et les anciens chais ou le Palais Omnisport.

L'ensemble de ce quartier, en particulier la rive Gauche est encore en pleine mutation, de nombreux bâtiments très modernes sont sortis de terre depuis mon dernier passage, l'esthétique est très intéressante. Les architectes jouent beaucoup avec des surfaces vitrées qui se jouent de la lumière, personnellement je trouve l'ensemble souvent assez élégant et toujours différent.

Comme vous avez pu le voir sur la légende d'une photo, on aperçoit au loin les Tours Duo de l'architecte Jean Nouvel, je n'ai encore jamais été les voir de près, j'ignore d'ailleurs si le chantier est terminé mais je ne manquerai pas de m'y rendre à la première occasion, ne soyez pas trop impatients cependant ! 

Merci de m'avoir suivie !

Chana Orloff est née en 1888 dans un village d'Ukraine et morte en 1968. Vous vous doutez donc bien que le choix du verbe "rencontrer" dans mon titre est une image. C'est un choix totalement assumé tant, lorsque l'on entre dans l'atelier de cette merveilleuse artiste, on entre dans son univers.

J'ai souvent croisé des œuvres de Chana Orloff dans diverses expositions parisiennes, ou au Centre Pompidou, et chaque fois l'émotion a été la même tant son travail est criant de sincérité, et d'une apparente simplicité.

Un mot pour commencer sur la Villa Seurat, Cité d'artistes créée par Jean Lurçat, peintre et tapissier, et son frère André, architecte. Ils parviennent à convaincre quelques amis, Marcel Gromaire, Robert Couturier ou encore Chana Orloff de les suivre. Plus tard, ce sont Dali, Chaïm Soutine, Anaïs Nin et Henri Miller qui s'installeront là.

Chana Orloff fera construire sa maison-atelier par Auguste Perret, avec pour cahier des charges la fonctionnalité des lieux permettant de conjuguer vie familiale et professionnelle. Les travaux commenceront en 1926. Chana y passera le reste de sa vie avec sa famille qui aujourd'hui encore occupe les lieux et nous ouvre les portes de l'atelier tous les week-end et occasionnellement, lors des journées du patrimoine et comme c'était le cas la semaine dernière pour les Journées de l'architecture.

Je vous mets ci-dessous quelques photos de la Villa Seurat, la maison recouverte de vigne vierge est l'atelier de Jean Lurça, actuellement en restauration.

Mais revenons à Chana Orloff, qui a adopté ce prénom suite à l'erreur d'un policier sur sa fiche d'entrée en France en 1910, alors qu'elle vient se former à la couture chez Paquin. La jeune fille a 22 ans, elle vient seule à Paris, sa famille est restée dans la banlieue de Tel-Aviv où le père les a entraînés pour fuir les pogromes, en 1905 dans leur village ukrainien, leur maison a été mise à sac et incendiée.

La jeune fille montre de réelles aptitudes au dessin, un de ses professeurs aux cours de formation professionnelle qu'elle suit le soir après ses heures à l'atelier Paquin l'incite à s'inscrire en école d'art, c'est ainsi qu'elle intègre La Petite Ecole, qui deviendra plus tard L'Ecole des arts décoratifs, gratuite et ouverte aux filles. Vous savez que même si les jeunes filles commencent à avoir accès aux écoles d'art, c'est un tour de force pour y entrer.

C'est par une rencontre de hasard que Chana vient à la sculpture, elle ne cessera plus. Elle entre à l'Académie Vassilieff, à Montparnasse, et commence à se faire des relations, Soutine, Modigliani, Pascin, Zadkine. Elle se lie d'amitié avec Jeanne Hébuterne.

Chana apprend, découvre, se forme au contact des autres, mais c'est son oeuvre qu'elle construit, sa personnalité qu'elle découvre.

Chana Orloff presque autodidacte rencontre rapidement le succès, elle épouse le poète Ary Justman, Elie, leur fils naît en janvier 1918 mais un an après, Ary meurt de la grippe espagnole à trente ans.

Chana ne renonce pas, malgré le contexte difficile, malgré les supplications de sa famille. Elle reste à Paris, sculpte et parvient à vivre de son travail.

Gravures sur bois des artistes de l'époque pour le recueil Figures d'aujourd'hui qui paraît en 1923, expositions aux différents salons ou dans des galeries, Chana travaille et se tisse un réseau d'amitiés. Pierre, bois, marbre, bronze, elle s'essaie à tous les matériaux.

Elle excelle dans les portraits bien sûr mais ses maternités, ses enfants, ou les scènes familiales autant que les animaux rencontrent beaucoup de succès. Elle expose aux Etats-Unis, où elle restera presque une année. Une salle lui est réservée au Petit Palais en 1937, l'Etat achète La Grande Baigneuse accroupie pour le Musée d'Art Moderne.

Rattrapée par les lois antijuives de 1942, Chana et Elie se plient aux contraintes de plus en plus nombreuses et vivent dans la crainte avant de parvenir à fuir en Suisse. Là encore, Chana réagit, se remet au travail pour parvenir à vivre et sourire autant que faire se peut.

De retour à Paris dans son atelier saccagé, Chana reprend sa vie, se remet au travail mais l'époque a changé et son art est moins prisé, sauf en Israël où elle fait de nombreux séjours et d'importantes expositions, et où elle mourra brutalement en 1968.

L'oeuvre de Chana Orloff m'a toujours beaucoup touchée, il y a une expression très forte et que je trouve sincère dans ses portraits, ses maternités, danseuses ou autres sujets sont d'une grande pureté. Vous l'aurez compris, j'aime beaucoup ! J'étais d'autant plus heureuse de pouvoir enfin découvrir son atelier. 

C'est toujours avec bonheur que je découvre des artistes que l'histoire de l'art a un peu oubliés, en particulier des femmes. Le Musée du Luxembourg a récemment organisé de belles expositions sur ces grands oubliées qui ont pourtant eu beaucoup de succès de leur vivant. Je vérifie toujours dans les nombreux livres d'art dont je dispose, et bien souvent, aucune trace de ces femmes. Chana Orloff ne fait pas exception à la règle ! Absente d'un livre sur la sculpture, absente des anthologies d'histoire de l'art. Je vais finir par croire comme l'évoque le livre de Laure Adler et Camille Viéville (dans lequel Chana Orloff n'apparaît pas non plus, mais ce n'est pas une militante) : Les Femmes artistes sont dangereuses !

Et vous, vous connaissiez Chana Orloff ?

Je remercie sincèrement sa famille qui nous ouvre les portes de l'atelier et fait rayonner son travail, et son petit-fils, Monsieur Eric Justman qui nous accueillait la semaine dernière et répondait à nos questions.

Encore une découverte, Sam Szafran, un peintre parisien né en 1934 et décédé en 2019, un contemporain donc, présenté aujourd'hui au musée de l'Orangerie, à quelques pas des Nymphéas de Monet.

Contrairement à André Devambez dont nous parlions la semaine dernière, Sam Szafran est un autodidacte. Rescapé des rafles durant la seconde Guerre Mondiale, il est accueilli en Suisse en 1944 puis partira en Australie, en 1947, avec sa sœur et sa mère, seules rescapées des camps où les autres membres de la famille ont été massacrés.

Lorsqu'il regagne la France en 1951, il est un pur autodidacte. Il suit les cours de la Grande Chaumière, rencontre Nicolas de Staël, Joan Michell (expo à venir à la Fondation Vuitton), Yves Klein, Jean Tinguely et de nombreux autres.

Un temps tenté par l'abstraction, il revient vers la figuration et lorsque en 1960 il se voit offrir une boîte de pastels, il en fait son outil de prédilection. Sa rencontre avec Alberto Giacometti en 1964 est déterminante. Le sculpteur qui mourra deux ans plus tard sera officieusement son maître.

Du beau monde dans l'univers de cet artiste, non ? Giacometti, est un artiste que j'aime particulièrement, et dont j'aurai sûrement l'occasion de vous reparler puisque je vais suivre une série de cours sur les artistes du Montparnasse à la Fondation Giacometti.

Je vous le disais en démarrant, Sam Szafran est un autodidacte, il a connu beaucoup de galères avant de percer, c'est à son obstination et à son travail qu'il doit son succès. 

De grands "genres" se détachent dans son œuvre, l'exposition met en avant les Ateliers, les Escaliers et les Feuillages.

Maître du fusain et du pastel, Sam Szafran utilise aussi la photo pour juxtaposer, notamment les escaliers, afin de donner différents points de vue.

Mes photos ne sont pas très belles, les œuvres sont sous verre donc beaucoup de reflets, et je ne sais pas très bien comment parler de cette découverte qui m'a autant charmée que déroutée.

J'aime beaucoup les Ateliers et Escaliers, ces derniers sont quasiment tous habités, je veux dire par là qu'un personnage apparaît presque systématiquement.

L'artiste, dans un entretien avec Jean Clair pour un catalogue d'exposition en 1999, dit : "J'ai toujours vécu dans l'escalier." On le surnomme parfois d'ailleurs "le Maître de l'escalier", je n'irai pas dire le contraire tant ses œuvres m'ont frappée.

J'aime aussi beaucoup les escaliers, petite, chez ma grand-mère, la marche la plus large, celle du virage, était ma place pour lire. J'adorai me réfugier là, à la fois à l'écart et au centre de la maison dont je voyais la vie à travers la balustrade. Mais en voyant les escaliers de Szafran, c'est au magnifique livre du regretté Carlos Ruiz Zafon, L'Ombre du vent que j'ai pensé. Il y a un côté fantastique dans son découpage des espaces, dans ses ponts entre les différentes vues, c'est très intéressant.

Le pastel me touche particulièrement, j'aime le côté sensuel, le velouté de cette technique aux couleurs souvent très belles. Vous remarquerez dans une des photos de feuillages, une jolie touche de couleurs, ce sont les pastels de l'artiste, joli, non ?

Il me semble que ce sont ces feuillages qui m'ont pourtant le plus dérangée dans cette exposition. J'ai eu l'impression d'étouffer. J'ai tout de suite pensé à Boris Vian et à l'Ecume des jours. Pourtant, j'ai trouvé la technique fascinante, le rendu magnifique. Je crois que j'aurais besoin de revoir cette exposition, et peut-être même de suivre une visite guidée qui m'ouvrirait quelques portes à la compréhension ! Alors ne soyez pas surpris si un jour je parle à nouveau de Sam Szafran !

Et vous, vous connaissiez ? Quel est votre ressenti face à son œuvre ? Votre avis m'intéresse, je m'interroge en fait sur la faisabilité de cette expo avec certaines de mes Vieilles Dames. Agréable ou oppressant ? c'est assez rare que je sois si partagée sur une expo. Ma curiosité personnelle est piquée, mon intérêt pour l'art me conduit à toujours trouver intéressantes les différentes manières, même celles que je goûte moins mais je sais en général ce que je peux, ou non montrer aux personnes fragiles que j'accompagne. Mais là... je doute !

Sam Szafran, Obsessions d'un peintre, 

Musée de l'Orangerie jusqu'au 16 janvier 2023.

Commissaires : Julia Drost et Sophie Eloy

Retrouver les bouquinistes, sur des quais encore peu fréquentés malgré le beau temps, leurs coups de cœur et leurs coups de blues, leur hargne et leurs espoirs mais toujours leur passion.

Rue Victor Schoelcher, à Paris, dans le 14e arrondissement, se trouve un hôtel particulier Art Déco, construit en 1912, ayant appartenu à Paul Follot (1877-1941), artiste décorateur. 

Allons-y !

Ce n'est pas par cette porte, qui dessert les différents appartements, que nous entrerons.

Un accès est dédié à l'entresol qui servait déjà à Paul Follot de lieu d'exposition et où la Fondation Giacometti s'est installée depuis 2018.

L'endroit est superbe. Espace réduit mais élégant et raffiné parfaitement restauré pour notre plus grand plaisir.

Une exposition "Giacometti à la recherche des œuvres disparues", se tenait jusqu'au 21 juin. L'occasion pour moi de découvrir ce magnifique endroit. 

Je vous laisse admirer, nous parlerons de Giacometti ensuite.

Nous y voilà enfin devant cette belle église Notre-Dame du Travail. Je vous ai fait un peu patienter !

Pour cette promenade, j'emprunte encore quelques citations à Jean-Marie Palach et à ses Soeurs brisées, je suis certaine qu'il ne m'en tiendra pas rigueur. 

Et mes livres pour vous présenter cet édifice que personnellement j'aime beaucoup :

 Comprendre l'Architecture de Paris, Décoder la Ville Lumière, Chris Rogers, aux éditions Larousse.

Montparnasse 1900-1930 - Art Nouveau - Art Déco - AAM Editions

L'église est située 59, rue Vercingétorix. Elle a été construite entre 1897 et 1902 par l'architecte Jules-Godefroy Astruc (1862-1955). Je ne peux pas vous dire grand chose de plus que ce que vous trouverez sur Wikipédia à son sujet, à savoir qu'il a été élève de Victor Laloux (architecte de la gare d'Orsay) à l'Ecole de Beaux Arts de Paris, et qu'en plus de Notre-Dame du Travail il a dessiné les plans de la Cathédrale Notre-Dame du Liban, rue d'Ulm.

La deuxième moitié du XIXe siècle voit l'émergence du fer, la Tour Eiffel en est bien sûr l'exemple le plus connu, mais n'oublions pas la Grande Halle de la Villette, la Bibliothèque Richelieu, puis plus tard, les Petit et Grand Palais ou le Pont Alexandre III, et bien d'autres. On associe souvent à ces constructions de belles verrières.

Notre-Dame du Travail s'inscrit dans cette époque "fer et verre".

Chris Rogers dans Comprendre l'Architecture de Paris nous dit à son propos :

" On peut considérer Notre-Dame-du-Travail comme un hommage aux humbles ouvriers de Paris, spécialisés dans le travail des métaux et l'artisanat, mais aussi comme l'annonce du mouvement moderniste, dont les préceptes reposent sur l'authenticité de la structure et la profusion de décoration appliquée."

Les éléments métalliques sont des remplois du palais de l'Industrie, construit pour l'Exposition Universelle de 1855 et démoli comme toutes (ou presque toutes) les constructions éphémères des diverses expositions. 

Le XIVe arrondissement est un quartier ouvrier, l'idée est de construire pour eux une église à "l'esthétique usinière pour qu'ils se sentent dans un milieu familier".

Vous aurez bien sûr noté le contraste entre la façade en pierre d'inspiration romane avec peu d'ouvertures et l'intérieur élancé dont la structure s'apparente davantage à une gare qu'à une église.

Regardez - malgré une photo assez moyenne - le socle de la statue de Notre-Dame-du-Travail, vous voyez là aussi la référence au monde ouvrier, enclume; mouvement d'horlogerie mais aussi une locomotive à vapeur et une brouette, malheureusement pas visibles sur ma photo  !

Si je vous avais montré cette image seule, auriez-vous imaginé qu'il s'agisse d'un décor d'église ?

Les décorations murales sont composées de motifs floraux tout à fait dans le style Art Nouveau, avec  l'élévation et la légèreté visuelle des fermes métalliques, cela rompt avec l'apparence plus austère de nombreuses églises vous ne trouvez pas ?

Et pour finir, voici l'orgue, construit par Théodore Haerpfer, mis en service en décembre 1990. Il paraît que l'acoustique est exceptionnelle, j'irai vérifier à l'occasion, je vous tiendrai informés !  

Je vous invite à vous rendre sur le site Patrimoine Histoire en suivant le lien, vous y verrez d'autres très belles photos, plus détaillées que les miennes.

Puisque Jean-Marie Palach nous a invités à flâner dans le XIVe arrondissement de Paris dans son livre Soeurs brisées dont je vous parlais hier, emboîtons-lui le pas, objectif, la superbe église Notre-Dame du Travail, mais parlons d'abord un peu de la rue Vercingétorix.

La rue Vercingétorix, initialement rue de Constantine, part de l'avenue du Maine, derrière la Tour Montparnasse.

Nous nous appuierons sur Promenades dans les Rues de Paris, un guide initialement rédigé vers 1910 par le Marquis de Rochegude, enrichi au fil des années. Ma version de 1958 concerne la Rive gauche, les deux auteurs sont Rochegude et Jean-Paul Clébert.

Et dans ce petit livre, il nous est dit :

"[...] elle compte encore des maisons anciennes à deux étages, évocatrices d'auberges ou de corps de ferme. Beaucoup de ses cours sont assez curieuses. Les rues qui affluent de chaque côté sont pittoresques, peuplées d'ateliers d'artiste. [...] La rue du Moulin-de-Beurre reste très attachante avec ses ateliers de peintres voisinant avec des jardins que picorent d'étiques volailles. Elle se termine malheureusement sur un paysage ferroviaire."

La photo ci-dessus vous montre la rue telle qu'elle est visible aujourd'hui depuis l'avenue du Maine, c'est une rue étroite en plein chantier. Allez, faites preuve d'un peu d'imagination et ouvrez grand les yeux, vous pourriez voir sortir Fujita qui en 1914 avait son atelier juste à gauche à l'entrée de la rue. On se plaît à imaginer la vie de ce quartier qui lorsque l'on s'éloigne un peu de la gare et des lignes ferroviaires, garde un charme fou.

Poursuivons notre promenade, traversons sans nous arrêter la Place de Catalogne, elle sera l'objet d'un autre article à venir et passons devant Notre-Dame du Travail, non sans avoir traversé l'ensemble immobilier Les Échelles du Baroque.

L'immeuble de 91 est inscrit "Propriété de l'Epargne immobilière du XIVe arrondissement. Il a été construit en 1905. L'autre un peu plus bas n'a pas d'année visible mais fait référence à l'un des nombreux moulins que nous évoquions précédemment. 

Et un peu plus bas encore, ce sont des immeubles de l'Office Public d'HLM de la Ville de Paris, construits en 1940.

Je vous épargne ceux de 1980, ils sont d'une tristesse affligeante.

Je n'ai pas précisé que de l'autre côté de la rue Vercingétorix, se trouvaient des espaces verts aménagés pour la promenade, les jeux d'enfants ou les rendez-vous pétanque des anciens, le tout, longe les lignes qui arrivent gare Montparnasse. Il y a quelques années encore, un phare breton - publicité d'une poissonnerie- accueillait les voyageurs en provenance de l'Ouest, il a malheureusement été démoli dans le cadre de la modernisation du quartier (et je crois que j'ai supprimé mes photos par accident !).

Nous voilà arrivés au bout de la rue Vercingétorix, et nous trouvons ici l'ancienne gare d'Ouest-Ceinture. La desserte a été définitivement fermée à la construction du TGV Atlantique en 1986. Elle avait été ouverte en 1867 puis comme les gares de la Petite Ceinture, fermée au trafic en 1934.

Nous sommes arrivés Boulevard Brune, là le périphérique fait entendre son bourdonnement habituel. Il est temps de faire demi-tour pour remonter vers Notre-Dame du Travail, mais comme il est déjà tard, ce sera pour demain !

Je laisse le mot de la fin au Marquis de Rochegude, à vous d'imaginer ! Bonne soirée.